Baptiste Debombourg

Der französische Künstler Baptiste Debombourg (*1978) gehört in seinem Heimatland zu den herausragenden jungen Künstlern seiner Generation.

Er studierte Bildhauerei an der Ecole National des Beaux Arts in Lyon und post-graduierte an der Ecole National Superior des Beaux Arts in Paris. Zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland haben ihm auch internationale Aufmerksamkeit beschert. In Deutschland gilt es ihn mit seinen handwerklich brillanten und inhaltlich provozierenden Arbeiten noch zu entdecken.
Debombourgs Werke sind das Ergebnis poetischer Transformationen. Seine Referenzen schlagen einen kunsthistorischen Bogen von architekturtheoretischen Schriften der Moderne - wie Adolf Loos’ epocheweisendem Artikel “Ornament und Verbrechen” von 1908 - bis hin zu aktuellen gesellschaftskritischen Positionen zeitgenössischer Kunst eines Raymond Hains, Maurizio Cattelan oder Thomas Schütte.
Ausgangspunkt seiner Überlegungen ist das reflexive Potential des Alltags, sind Gebrauchsgegenstände oder Abfallprodukte, denen eine festgelegte Funktion und Wahrnehmung eingeschrieben ist. Aus diesen „Objets trouvés“ und Hinterlassenschaften des Konsums erschafft der Künstler Neues, formt Hybriden, die jede Gebrauchsästhetik negieren und den ehemaligen Verwendungszweck ad absurdum führen.
Tackernadeln formen sich aus der Distanz zu fallenden Körpern, Styroporverpackungen verwandeln Räume in intergalaktische Raumgleiter und Polybrick-Bausteine werden zum Urinal einer öffentlichen Toilette. Stets erfahren die zuvor rein funktional besetzten Gegenstände durch den künstlerischen Eingriff eine Transformation, die sie in einem vollkommen anderen Licht, einer anderen Materialität und gänzlich anderen Sinnhaftigkeit erscheinen lässt.
Einen anderen Weg der Neukomposition zeigen Debombourgs verstörenden Waffenzeichnungen, die sich wie technische Konstruktionspläne Ihres Innenlebens lesen. Bei näherer Ansicht lassen sich in den unterschiedlichen Waffentypen wie „Walther P38 silencieux“ oder Dragunov SVD* (*das Sniper-Gewehr im Bosnien Krieg) architektonische Grundrisse von präziser Genauigkeit erkennen, die - vom Künstler neu zusammengesetzt - auf reale Grundrisse von Oval Office, der deutschen Wehrmachtzentrale oder der Kathedrale von Chartres („Tradition of excellence“) zurückgehen.
Die Wiederverwendung und Neukonstruktion des Verbrauchten zu Skulpturen ist stets verblüffend und verweist mit viel Ironie und Geschick auf die Vergänglichkeit des Materiellen und die Metamorphosen des Alltags.
Auch Aérial spielt mit dem Gedanken von Zerstörung und Neukomposition.
Als In-Situ-Installation speziell für den Säulensaal der Abtei geschaffen, korrespondiert die raumgreifende Arbeit aus Verbundglas mit dem architektonischen, historischen und spirituellen Charakter des Klosters, dessen ursprünglich religiöse Funktion bis heute die Architektur der Säulenhalle mit Kreuzgratgewölbe und dunklen Granitsteinen prägt.
Getragen von einem sternförmigen Holzkonstrukt, strömt Aérial als monumentale Welle aus gebrochenem Glas in den Raum und trägt das Licht, welches verhalten durch die Fenster dringt, mit sich. Fast gewaltsam durchbricht sie die voluminöse Architektur des säulenbestandenen Raumes und läuft sanft wie die Gischt des Meeres auf dem dunklen Steinboden aus. Das gläserne Gespinst fängt das Licht spielerisch ein und umschmeichelt sein hölzernes Innenleben. Die kristalline Struktur des Zerbrochenen wirkt erstarrt, eingefroren in einem Moment der Bewegung. Wie ein Kirchenfenster bündelt und verändert Aérial das Licht. Die so entstehenden Spiegelungen, Transparenzen und Verschattungen reflektieren ihrerseits die vielen verschiedenen Facetten eines an Historie reichen Ortes, dessen ursprüngliche Funktion durch Fremdnutzungen als Bettleranstalt, Arbeitsanstalt, Konzentrationslager, Gefängnis der Kölner Gestapo und psychiatrische Klinik buchstäblich überschattet wurde.
Dem einströmenden Licht kommt vor allem im spirituellen Kontext der Abtei eine besondere Bedeutung zu. Seit Anbeginn der Geschichte haben Menschen das Licht als Inbegriff göttlicher Präsenz und Erleuchtung verehrt, hatte der himmlische Widerschein beim Bau von Heiligtümern, Tempeln und Kirchen eine wichtige Funktion. Ausdruck fand dieser Glaube vor allem in der Gestaltung der Fenster, die besonders in der romanischen und später in der gotischen Architektur ihre Blüte erfuhr. Das Glas, in dieser Zeit ein überaus kostbares Material, ließ das Sonnenlicht ein und tauchte das Innere des Gotteshauses mit seinen farbigen Malereien in ein nie gesehenes, fast überirdisches Licht, welches eine spirituelle Verbindung zwischen der sakralen und der profanen Welt schuf.
Doch reflektiert das vom Künstler gewählte Material, welches uns tagtäglich in unterschiedlichsten Verwendungsformen begegnet, nicht nur die komplexen Bedeutungsebenen von Licht und Transparenz im Kontext christlicher Ikonografie, spiegelt nicht nur die disparaten Facetten und Funktionen der Abtei im Laufe der Zeit, sondern spielt darüber hinaus mit den Paradoxien von Zerstörung und Neuschöpfung an einem Ort, dessen Artung ebenso komplex und vielschichtig ist wie die Symbolik des gebrochenen Glases.

Di bis So 14 bis 17 Uhr
und auf Anfrage
kuratiert von Nadia Ismail und Astrid Legge